【站酷沙龙回顾】《排版的风格》：梳理风格发展的脉络，超越潮流表象的束缚

开春后的4月份，站酷与言几又第一次携手，在中关村言几又书店举行了左佐新书《排版的风格》分享签售会。到场的设计师朋友们坐满了书店，热情且专注地参与了两个多小时的关于字体与版式设计的分享。

为什么排版书那么多，却总是感觉手头缺了一本？

左佐的个人分享中，他说我们日常总是能接触到字号、字距、标点符号如何用等等内容，但当设计师着手案例设计的第一步，一定是先要进行风格上的确认。如果对风格的流派和发展缺乏宏观概念，往往会陷入迷茫。

左佐尝试和研究了汉字的正草混合排版的可能性，黑体是正体。大家总觉得日文好看，因为日文中正体与假名形成了一种“肌理”。尽管日本在版式设计上总是很整齐，但日文排在一起时，节奏感很强，而汉字的节奏感看上去并不强烈。

在左佐看来这个尝试的方向有很大难度，因为假名似的弧度，往往很难调整恰当，可一旦用好了，中文也能做出有类似日文那样好看的“肌理”。

我们为什么觉得日本的排版好看？左佐认为还是主要因陌生感导致的。在推特上，日本人也会对中国的潮词展开讨论，比如“洪荒之力”、“霸座”，他们惊叹这些词太传神了。

左佐有时会把中文里加一些日本的假名，但日本人看到中文时也会觉得很漂亮，他们正在流行去假名。

翻阅大量古籍后，左佐还认为中文是为竖排而生，他在做字库时发现，中文横排时需要向上的重心，而竖排重心的问题就没有这么明显，而如果改成横排时不做字体重心的调整，字就会显得忽高忽低。

目前在书籍的设计方面，风格容易走向两个极端，极端简化或者极端复杂，大家看多了视觉上强刺激的风格，就开始追求简洁。《排版的风格》图书封面的设计，是古典风格与现代的结合，书名使用了汉字的竖排版，并尝试了使用黑体字与类似假名式字体设计的混排法。

这次签售活动，除了有左佐本人的字体及书籍排版的分享外，站酷还非常幸运的邀请到一位特别嘉宾——著名设计师、出版人杨林青。

杨林青老师与左佐都是在字体设计、版式设计方面有深入的研究，他曾经策划了经典的《字体传奇：影响世界的Helvetica》，并监修了著名的《平面设计中的网格系统》，这本书也是今年站酷推荐图书之一。

接下来围绕着《排版的风格》这一主题，站酷网总编纪晓亮主持，与左佐和杨林青两位老师进行了深入探讨。小Z也为大家整理了对谈记录。

1

“只有了解来龙去脉，才能不被风格的表象束缚。”

纪晓亮：左佐的《排版的风格》用简化的脉络，将排版从诞生到今日流行的风格，都进行了梳理。书中提到所谓风格可以说是一人创制、多人仿制形成的一股趋势。经过你对排版风格的研究，你认为新风格的产生中，偶然的因素更大还是可以循着一些脉络（比如经济形态的变化）去大致预测？

杨林青：说说我的理解。每个所谓的潮流都有必然因素，它不是某个人，而是积累了一个时代，然后有一个人对这个时代进行了整理，告诉大家这种方法更适用。

我觉得《排版的风格》作者左佐非常了不起的地方在于，他又把不同时代的风格现象进行再整理，分享给大家。这一两百年来经典的设计样式，前期都是优秀的设计师们进行了各种实践和探索，他们本身是设计师，有实践，又有分析整理信息的能力，根据他们的时代做出了总结，每一种风格的形成，也是社会的必然。

书中谈到的古典主义、构成主义、国际主义和新风格等等，这些风格的前后关系，就像我们的历史一样。虽然我们现在不会再穿汉服了，但我们和过去的人一样的饮食习惯、思维习惯，并不是说要去模仿古人的设计，形式已经不重要了，但它给我们思考和启发。

看待风格的时候要用一种历史观去理解，我们在这个基础上思考未来，没有这个基础，你所谓的风格就没有根。

我们一方面有自己的汉字，一方面在学习西方的系统性理论知识，他们的逻辑性为我们补充了营养。并非是要我们完全模仿西方风格，而是要结合，如果不理解为什么是这样，就只能永远追求表面的风格，永远是被动的，更不用说去创造一个时代的风格。优秀的设计师，都以这样的理解为前提。

风格对我们的意义很大。不是说客户喜欢什么风格，我就给他们什么风格，而是你要去做符合这个时代的东西。风格是我们可能已经不在这个世上了，再过一百年，有人回看这个时代，他说有什么样的风格。风格不是我们这一代人可以决定的。我们这一代人总结的是前人的智慧。

左佐：从另外一个角度讲「一人创作，多人仿制」，我认为是必须有一个特别有天赋的人，既会做，又能写，能把自己的思想写出来，把风格总结出来。后面的人觉得此人很权威，大家都去效仿。因为每个人的环境、思维多少都不同，多多少少加入了自己的想法，于是有了不同的分支。这是我的理解。

2

“实践的积累，是真正表达的前提。”

纪晓亮：设计师需要对字体，间距、大小、位置保持高度的敏感，如何去习得和加强这种敏感性？

杨林青：我觉得要保持一种包容心态，对专业知识无论如何都需要去学习，对于设计专业，平面设计这个领域里，基础是最核心的，无论是谁都是基础第一。做广告、书、包装、新媒体，都是这个逻辑。

为什么字体是一个主要位置？因为它是人类社会的沟通工具，无论东方还是西方、传统平面设计还是未来数字化设计，无论你是不是设计师，所有人都需要通过字体形态进行信息接收和交流，它是内容的载体，是链接我们社会的信息传达，我们做的是信息的设计，这些都应该在专业里不断学习，这是一辈子的事。时代变化太快了，但它们都一脉相承，我认为面对历史才能打开视野。这是从专业的角度去学习。

另一个是非专业角度，信息传递和生活息息相关，于是有一部分知识的学习来自于生活。对于真正的设计师而言，这两方面都很重要。

有了这样的基础之后，才能真正表达出思想，才能跟客户站在同一个社会层面来思考要做的事情，而不仅仅是专业层面，这时设计师能创造的可能性就很多。

左佐：在保持敏感度这件事上，西方和日本有一些教学方法，比如指定字体，并限定一些条件，在名片大小的空间上，给出一小段文字，做各种可能性的排版练习。或者是设置一些变量，给出一个主题，规定出想要传递什么样的感情等，从一开始限定条件去做练习，慢慢到条件越来越少。通过这些循序渐进的做法，设计者会对字号、字符间距、行距等有效果较好的训练成果。对这个感兴趣的，平时没事可以练着玩。

杨林青：左佐刚才说的是专业的学习。作为设计师，实践到了一个量的积累，就会形成你自己的语言，就像我们说话、写文章一样，都是从用词、造词、造句，再到写一段话、一篇作文。

每个作家写出来的东西都不一样，每个视觉设计师经历过大量实践积累之后，知识也会化作自己的视觉语言。我认为这个时候才称得上真正去表达，否则就会被各种知识、风格，甚至是客户限制，举步维艰。基础非常重要。

3

“工艺偏向于实现功能和解决问题，

而设计的第一目的永远是解决问题。”

纪晓亮：艺术与工艺并举，是设计师的最佳形态，能进一步解释一下为什么你认为工艺有如此重要的地位么？

左佐：在我看来，我们做的都是包豪斯边边角角发展出来的东西，设计在包豪斯那个时代就被做尽了。为什么？那个时代的设计师，都是某个领域的艺术家，他们的品味、艺术造诣非常高，但却愿意放下身段做工艺。艺术是偏向于发现问题、抛出问题和自我表达；工艺是偏向于功能和解决问题的。包豪斯时代这两者结合得非常好。虽然现在看当时很多东西有点过时，但却是由那个时代延伸、发散来的。

杨林青：工艺是偏材料性的。

左佐：比如客户找我做东西，并不是要我像艺术家一样，简单来说就是解决功能上的一些问题，它偏功能性。

杨林青：以前我以为艺术家很感性，但后来发现艺术大师们对文学、历史和政治的研究，其实比我们理性和深入多了。我们以为的那种感性，只是表达出来的结果。相对来讲，他们的思考更加缜密。

做设计更多不是为表达自我，第一目的是为解决问题。当我们谈到风格时，首先要想到你在为谁做设计，内容是什么。有日常的设计与小众的设计，我们不要混为一谈。有些艺术领域的设计，要产生强烈的思想碰撞，对视觉有很高要求，看似很嗨很酷的风格，但背后同样需要非常严谨的思维，为什么这样用图形、色块和字体等等。

而对于日常公众设计来讲，先要分析设计的意义，用思想影响他人，让人们接受他们的产品，视觉设计的一切都是围绕这些思想进行，它的前提就是让更多人接受。

它们是不同的，无论你是做给几千人看，还是几十万人看，它们对工艺和专业都有很高的要求。

4

“没有一种方法或风格能统领世界，那就太乏味了。”

纪晓亮：左佐在描述国际风格时说到，于苏黎世学派，严格按照信息的传达顺序和网格来排版，即“原因（Reason）”与“秩序（Order）”，无个人感情的表达。这个风格（或者流派）客观上确实帮助了大量新手也可以做出具备不错品位的作品，但主观上又和设计一直追求的“创新”相悖，你会怎么评价它？

左佐：国际风格下有两个流派——苏黎世学派和巴塞尔学派，它们是瑞士两所高校里出来的。

苏黎世学派用方块表达，信息完全按照逻辑线方式，越容易理解越好，不掺杂任何感情。

巴塞尔学派加入了个人的感觉，比如字号用多大？不是由网格决定的，而是依靠个人品味，通过训练获得品位，品位越好越能找准位置。巴塞尔学派会嘲讽苏黎世学派，说他们都太方了。

善于使用方块的苏黎世学派看似没有个人表达，是否与创新相违背？ 这个问题我时这样看的——你觉得创新是加入自己的感情、表达自我，但苏黎世学派的方块本身就是一种创新，他们认为创新就是要传达信息，这种创新完全是理性的。

苏黎世学派更适合学生或者新人来使用，只需要按照那个网格、范式来填信息，做出来的作品会维持在某个水平线之上。巴塞尔学派风格的设计对个人品位要求很高，字是大点还是小点？偏左还是偏右？没有一个品位的衡量标准，就有些不可言说的部分。

杨林青：我觉得苏黎世学派的方块也可以做得非常有个性。

在我的设计工作中，这两个学派的风格会根据实际需求都用到。当我们一旦了解了风格形成的前因后果后，就能做到不再一味追随它，而是让风格为我们所用。

举个例子，日本沿袭了欧洲的设计脉络，是非常了不起的。上世纪二战后的六十年代，他们有人去法国，有人去瑞士，研习欧洲的学派，理解这些风格后再去结合日本社会，建立在理解西方的设计和当时的日本基础上，才有了今天的日本。

我们中国在清朝光绪年间的字刻书其实已经有了现在的网格系统了，但因战争和动荡，我们没有安顿下来去思考，现在社会稳定，经济发展后，我们也有了相同的诉求。在日本你可以看到他们有很多思考，既有性冷淡风格，也能看到疯狂的个人表达，这就是一个丰富的世界。没有一种方法和风格可以统领整个社会，那就太乏味了。

他人的风格都可以为我们所用，必须要找到和自己实际工作中真正需求的结合点，才可能突破他们。就像我刚才说苏黎世学派的方块也可以非常有个性，你可以让冷静的东西富有激情，也可以让狂热的事物变得冷静，它取决于你的能力和实践。

我的设计工作中，必须考虑到理性客观，让更多人便于阅读和吸收信息，同时兼具美感。比如在与德国文化中心多年的合作中发现，每个活动都极其有思想内涵，某个艺术家、作家，可能很小众，但是注重精神和思想的表达，我做海报和册子，就会偏向于激情的表达。

虽然我可以从他们身上学习很多，但是我觉得我们需要理性的认识，所以我才会去做网格系统，我觉得这个基础上，才可以找到属于这个社会的、属于每个设计师的坐标。风格呈现出的往往是一些主观的东西，很难评判对错，如果没有认识它们的基础，仅一味模仿，冷淡风、激情风、前卫风等等，盲目追求，我们就是迷失的。

5

“理性是基础，是理解规则，它至少要占60%。”

纪晓亮：规则之下的感觉判定，感觉之上的规则建立。是不是可以理解成规则和感觉之间，能相互兼顾的部分，在这里展开我们的设计，是最适宜的？

左佐：「规则」和「感觉」就像白和黑。设计是中间的一部分，完全按规则就太“白”了，完全平感觉又让人根本不知道这是什么东西。中间的部分有规则，又有感觉，我觉得设计师穷尽一生，就是这两部分相互博弈的过程。

杨林青：我认为这是一个理性和感性的问题，每个人都是两者的合体，完全感性了似乎不靠谱，完全理性了又显得太无趣。

如果我们非要把理性和感性归为100分的话，我觉得理性占了至少60%，它是基础，我们评判事物的时候，这个基础不能靠个人经验去评判，这里是有技巧的，比如我会和客户把基础问题，与他的个人问题一分为二，先把基础解决。这是我们做设计的智慧。

再比如做书的排版，无论如何都要传递最基础的信息，这是信息的规则，不是形式的规则。做封面的时候，这本书是文学，还是一本社科书，书名和内容如何有效传递？书的读者是谁？这个语境就是基础。在书的语境和它本身内容不冲突的情况下，我才会进一步去考虑如何突破。这就是规则和感性之间的结合。

纪晓亮：一个熟悉排版规则的人，阅读一本书，或是一张海报会发现每一个细节都与整体有着隐藏的数学逻辑关系，而这些数学关系又是基于内容表达、视觉形式得出。希望这种快乐可以被本书的读者们获得，下次我们再拿起一本书，除了它本身的内容，还多出一层和设计师的智力比拼、感情交流，谢谢。

观众提问：字体的风格可以延展成字库，我也想做一套字库。

左佐：做之前要想好。以前老说自己没做过一套字库怎么好意思说自己是设计师？我做起来后才发现这个坑深不见底。

开头非常热血，一开始做的字是很漂亮的，但做着做着就发现，很多字越来越丑，因为想法会随着时间而变化，做到后来，碰到新字要调整，前面的字翻回来看，要调整，一年之前的想法和一年之后的想法变了，又要调整。

我的建议是，做几百字玩一玩是完全可以的，但要做六七千字的字库，一定要做好准备，需要对字体有强烈的热情和超强毅力。

观众提问：《排版的风格》书中字体没有使用常规书里的宋体，而是用了粗体，是有什么考虑吗？

左佐：之前我出版的书很多人都说字小，这次就做大了一些。我们当下的生活方式，更喜欢直白的东西。细体字稍微放大后，美观度会下降。本想用现代感很强的黑体，但连起来就一片黑。于是就用了一种宋体的粗体，比黑体细，读起来也比较有节奏。

两个多小时的分享与嘉宾对谈，现场小伙伴表示受到很多启发。

今年站酷展开了一系列的线下活动，希望能与合作伙伴发挥各自的资源优势，为广大酷友提供更多交流空间。小Z后续还会放出左手韩《那一年》与吕敬人对谈张永和《设计的修养》新书分享会的精彩对话，欢迎大家继续关注「爱读书的小Z」发布的站酷沙龙活动回顾系列文章～

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